Adam McKay, guionista, director y actor de películas como; Anchorman, TalladegaNights, y The Big Short, nos trae esta actualísima comedia sobre la sociedad y lo absurdo del ser humano; Don´t look up. Actualmente disponible en la plataforma de streaming Netflix.
No mires arriba es una sátira de la modernidad y su banalidad, es una crítica demoledora de los valores de nuestra sociedad actual. La premisa es tontamente simple pero devastadora: (burlándose abiertamente de las películas de catástrofes como Día de la Independencia e Impacto Profundo) Un par de astrónomos desconocidos en un olvidado rincón de los Estados Unidos, han descifrado la trayectoria de un inmenso asteroide que se dirige raudo y sin escalas a estrellarse contra nuestra hermosa canica azul. El problema es que ni la presidenta del país ni el resto de sus ciudadanos les creen, ellos dos son los únicos que saben y se preocupan por el insignificante dato de que a la humanidad le pueden quedar un poco mas de seis meses de existencia, a menos que los poderes globales hagan algo al respecto.
Adornada por un casting poblado de súper estrellas; Leo Di Caprio, Jenny Lawrence, Merryl Streep, Jonah Hill, Arianna Grande, Ron Perlman, Timothy Chalamet y Cate Blanchet, esta parodia de películas de desastre, cobra vida propia. Entre conversaciones aparentemente banales y tomas insertadas de todas las esquinas del planeta, la película nos cuenta la absurda historia de como, contra la estupidez, hasta los propios dioses luchan en vano.
Empezando por su título, ya nos presenta un macabro mensaje subliminal; no mires hacia arriba, no alces tu mirada, no despegues la nariz del suelo, no cuestiones la autoridad, no pienses diferente. Dogma. Manipulación.
Una de las realidades más patéticamente mostradas en esta película es como la opinión pública es manipulada por los medios, logrando darle más relevancia a triviales eventos, como el noviazgo de la cantante Pop del momento, por encima de noticias científicas que podrían cambiar al mundo. La superficialidad de las noticias y su frugalidad se palpan tristemente cuando el Doctor Mindy (Di Caprio) se hace popular en las redes sociales por considerársele un científico guapo y no por las devastadoras noticias que esta revelando al mundo. El personaje del Doc. Mindy, es de una fragilidad emocional evidente, sus constantes ataques de pánico y su débil moral nos ponen de frente un espejo que muestra los defectos de nuestra propia humanidad. En contraste, la Doctora Dibiasky, (Lawrence) es una chica rebelde, contestataria y marihuanera que no teme exponer sus puntos de vista sin importar las consecuencias. Por su parte, Merryl Streep, en pleno uso de sus maravillosas facultades actorales, nos hace odiar al personaje que interpreta; Janie Orlean, una presidenta de los EE.UU. amoral, una suerte de Donald Trump Femenino a quien sólo le importan los números en las encuestas y la popularidad entre su electorado.
Pero sin duda, en mi honesta opinión, la caracterización más tremenda e inquietante, es la de Mark Rylance, quien interpreta a Peter Isherwell, un personaje que es una amalgama homogénea entre las personalidades de Elon Musk, Jeff Besoz, Steve Jobs y Mark Zuckerberg. Encarna de manera esplendida la candidez perturbadora y la oscura malicia de los multi-millonarios tecnológicos de esta realidad post pandémica actual. Isherwell es el genio con trastornos mentales creador de una serie de teléfonos de Inteligencia Artificial llamados BASH, este emprendedor tecnológico se da cuenta que el masivo asteroide que se dirige hacia la tierra representa una maravillosa oportunidad comercial, ya que es una inmensa roca, rica en metales raros que son la piedra fundamental para la construcción de su tecnología de celulares y micro chips, así que decide crear un plan, no para destruirlo, sino para picotearlo y aprovecharse de sus inmensos recursos.
No les revelare más de su trama para que puedan disfrutar de la irreverencia de su sardónico humor sin arruinarles la diversión. No mires arriba, es una película que usa eficazmente la sátira y el humor para transmitirnos mensajes y realidades muy profundas y perturbadoras que corrompen todos los niveles de nuestra sociedad actual. La moraleja de la historia: ¡Bastardos capitalistas, es tiempo de que hagan algo al respecto del cambio climático!
Último dato imperdible de ésta película, por favor, no dejen de ver los créditos hasta el absoluto final, no se arrepentirán.
Johnson era un tipo tranquilo e inocuo, empleado de una futurística empresa de mercadeo con una vida modesta y un robot sirviente algo torpe llamado Ben. Su mundo esta a punto de cambiar; un aburrido domingo va a una sala de cine virtual, de esas donde las películas las proyectan directamente en tu mente y la trama se saca de tu subconsciente haciendo realidad tus mas profundas fantasías. Aquí sueña con ser un pirata, perseguido por la Organización de la Mafia Espacial. Un ser aventurero y casi inmortal dotado de una de las armas más mortíferas y certera del universo: una Psicoarma. El sueño es una fantasía edulcorada cargada de sexo, espías y viajes por el espacio, todo lo contrario a su anodina vida cotidiana. Poco a poco luego de salir de la sala de cine, se da cuenta que su sueño cinematográfico no es una fantasía, sino la realidad que quiso tratar de borrar cinco años antes y que escapó de su subconsciente durante el sueño virtual. Así, un domingo cualquiera, se encontró de nuevo escapando de la Organización, acompañado de su sirviente electrónico; una sensual androide llamada Lady Armanoid que había estado oculta dentro del cuerpo de su robot Ben…
Así comienza el primer episodio de una de las series de animación japonesas más famosas, queridas, recordadas e innovadores de nuestro tiempo: Súper Agente Cobra. Esta serie fue creada por Buichi Teresawa en formato de manga y publicada en la revista semanal Weekly Shonen Jump desde mayo de 1978 hasta mayo 1984 y fue estrenada como serie de televisión el 07 de octubre de 1982 por Fuji TV en Japón dirigida por Ozamu Desaki. Aquí en Latinoamérica, la pudimos ver con un doblaje extraordinario realizado en Los Ángeles por una compañía llamada Magnum, la misma que hizo doblaje de las series; Conan el niño del futuro e Ironman 28, la voz de Cobra la hizo el actor de doblaje; Roberto Alexander. En Venezuela, fue transmitida por VTV, en Chile por UCV, en Bolivia por TBS y en Perú por América Televisión. Esta serie de 31 capítulos causó sensación por su impecable estilo de animación, y sus atrevidos temas; ciencia-ficción, desnudez, violencia, esclavitud, abuso sexual, y problemas psicológicos, bastante subidos de tono para ser una serie “infantil”.
Si la historia de Johnson les resulta familiar, no están locos, pues el cuento de un tío que visita un sitio de fantasías virtuales y sueña con ser un agente espía internacional con una vida súper cool, para luego darse cuenta que todo era verdad, ha sido vista antes en varios formatos. El más famoso, una película del año 1990, protagonizada por el ex-gobernador de California (Arnold Schwarzenegger) llamada Total Recall… El hecho de que ambas historias se parezcan tanto proviene de su fuente de inspiración; el cuento del autor de ciencia ficción Phillip K. Dick “We Can Remember It for You Wholesale” (Podemos Recordarlo por ti a Precio de Mayor) el cual sirvió de base tanto para Total Recall como para Cobra. Teresawa, inspirado por la novela de Dick, creo la historia de Johnson, y lo ubico en este mundo futurista de piratas galácticos, mafiosos sin escrúpulos, mujeres hermosas en peligro y búsquedas de tesoros, un poco al estilo James Bond, el cual fue también una fuerte inspiración para el creador de Cobra. Para el diseño de la apariencia del mítico pirata espacial, se inspiro en uno de los actores de carácter más reconocidos y carismáticos de los años 60; Jean-Paul Belmondo, quien lamentablemente falleció el día de ayer a sus 88 años. Paz a su alma.
Jean Paúl Belmondo, fue muy famoso en la década de los 60 por ser parte de la Nueva Ola de actores europeos. Y era un galán de tipo del chico rudo y no muy bien parecido, su nariz rota, el resultado de años como boxeador amateur, le daban un aspecto tosco pero varonil. En Europa era conocido con el apodo de: El hombre más feo del cine francés. Aun así, este hombre feo, protagonizaba al lado de las mujeres más bellas del cine europeo de la época como Sofia Loren, Claudia Cardinale y Gina Lolobrigida. Belmondo era un icono de la década de los 60s y era considerado el “epitome de lo cool”.
Teresawa baso la apariencia física de Cobra en la de este famoso actor porque quería inyectarle un poco del espíritu de Belmondo, gran parte de la personalidad de Cobra proviene de sus típicas interpretaciones; sus personajes eran en su mayoría atrevidos aventureros y/o héroes cínicos. Hasta el icónico cigarro colgando de la boca de Cobra es una copia de los personajes de Belmondo. Teniendo entonces como premisa estas insólitas influencias Buichi Teresawa se dio a la tarea de crear al Súper Agente Cobra, quien durante 31 capítulos rompió todos los estándares para series animadas “infantiles” y así creando un genero nuevo, series juveniles o para adultos, la carga sexual era tan evidente que la serie fue prohibida en algunas localidades Argentinas como Córdoba, por lo cual los televidentes de estos lugares solo pudieron ver 26 capítulos.
Durante los primeros 10 capítulos, Cobra, va reuniendo las piezas de su antigua identidad y recobrando sus habilidades. Una de las mas importantes es el uso de su extraordinaria Psicoarma, un arma única en el universo, de la cual no se explica su origen, pero si su funcionamiento: la Psicoarma amplifica el poder mental de su portador y lo convierte en engría calórica, no es necesario ni apuntar ni apretar gatillo ya que con solo detectar el blanco y pensar en acertarle es suficiente, la única limitante de esta arma es el poder mental del portador, ya que lo va drenando a medida que este la usa. Su nave espacial, la mas veloz de la galaxia; “La Tortuga”, es rescatada del planeta donde se encuentra la lapida que marca el lugar ficticio del ultimo descanso del Capitán Cobra. En este mismo planeta, Cobra, se encuentra cara a cara y por primera vez con uno de sus más famosos antagonistas; “Cristalino” y con una chica caza recompensas que pasaría a ser una pieza fundamental en las primeras aventuras de Cobra; Jane Royal. Jane resulta ser una de las tres hijas perdidas del Capitán Nelson, quien dejo un inmenso tesoro después de ser asesinado por la Organización de la Mafia Espacial y cuyo único indicio de encontrarlo se encuentra tatuado en los hermosos cuerpos de las hijas de este. En sus espaldas, para ser exactos, y solo juntándolas a las tres puede leerse el mapa completo. Cobra pasa varios capítulos buscando a las restantes dos hermanas Royal, Dominique y Catherine, para completar el mapa del tesoro y combatiendo a Cristalino, quien esta buscando el mismo objetivo.
Los capítulos que todos los que vieron esta serie recuerdan con mas fuerza deben ser los del violento juego del “Rockball”, entre el 16 y el 19 se desarrolla una historia en donde Cobra debe infiltrarse en un equipo de este juego futurista y violento mezcla de Baseball y Football americano, así el se hace pasar por un jugador novato como mucho talento para poder descubrir los detalles de una red de trafico de estupefacientes vinculada a los miembros de uno de sus equipos mas famosos los “Red Saxons”. El juego es muy popular por su violencia, la que produce muchos jugadores muertos en el campo al año. Estos capítulos son tan recordados por las mismas razones que hacen popular al juego.
Otro de los temas mas famosos de Cobra es su archienemigo, un ser despiadado y misterioso llamado “Salamander”, quien es el líder de la Organización de la Mafia Espacial. Este personaje hace su aparición en los últimos capítulos de la serie y tiene una importancia capital en el desarrollo de la historia. Por su puesto no les voy a contar como culmina la historia de Cobra, pero pueden chequear todos los capítulos en YOUTUBE o pueden descargarlos en esta página de TARINGA.
Los temas y atmósferas en los que se desarrolla la serie son de ciencia ficción “dura”: planetas colonizados, comercio espacial, viajes híper-espaciales, inteligencia artificial, negocio de esclavos ínter-galáctico, salvajes deportes futuristas, etc. Desviándose bastante de los típicos temas de las series animadas de la época, los cuales eran poco profundos para apelar a la mente e imaginación de el publico infantil; Robots fantásticos o místicos, héroes infalibles y misteriosos, súper villanos ridículos, etc. Cobra abriría todo un abanico de posibilidades para el anime y sentaría un precedente para las series que vemos hoy en día. Ya la animación no era un medio dedicado solo al público infantil, sino ampliaría su espectro para abarcar temas adultos, complicados y hasta pornográficos. Series tan famosas como Cowboy Beebop, Trigun, Burst Angel o Outlaw Star son la herencia directa del legado que dejo Cobra.
En nuestra humilde opinión el Anime se debe dividir en antes y después de Súper Agente Cobra. Esta serie pondría frente al televisor a niños, jóvenes y adultos, para disfrutar de historias profundas y escenas altamente cargadas de contenido sexual. Ver Cobra era como ver una versión animada de James Bond en el espacio, era un personaje súper cool, real y gracioso, estaba rodeado todo el tiempo de tipas hermosas, muy ligeras de ropa, con su cigarro siempre colgando de los labios, el cual era mas multiuso que una navaja suiza, tenia una nave envidiable, una robot compañera súper sexy y un arma infalible…
¡Que mas le podías pedir al anime de los años 80!
Todos queríamos ser como Cobra, era el antihéroe que, sin saberlo, estábamos esperando.
Duna (2021), dirigida por Denis Villenueve; la película más esperada de la pandemia.
Esta terminada hace más de un año y nadie la ha visto. Su fecha de lanzamiento debió haber sido en noviembre del 2020 y gracias a la cuarentena se ha retrasado casi doce meses.
Frank Herbert escribió la historia original de Duna, entre 1963 y 1964 como una metáfora fantástica sobre los peligros del desbalance ecológico y medioambiental a escala planetaria, en una época cuando nadie había ni siquiera oído hablar del término cambio climático. Un monstruo de libro de más de 500 paginas, recibió el premio Hugo y el premio Nébula como mejor novela de Ciencia-ficción en 1966, Herbert escribiría cinco novelas mas continuando la historia de Arrakis; el planeta Duna.
Denis Villenueve, director franco-canadiense de películas como Blade Runner 2049, Arrival y Sicario, se propuso hacer una nueva adaptación de la grandiosa obra de Herbert luego de enterarse que Legendary Pictures había adquirido los derechos del film: “uno de mis sueños mas antiguos es poder adaptar Duna”. Pero debió esperar a finalizar Arrival y Blade Runner para poder tener el tiempo suficiente para enfrentar un proyecto de la escala de Duna. Hay muchas cosas interesantes que contar referentes a Duna; como que su autor nunca la considero como una novela de ciencia-ficción, sino más bien como una historia fantástica al estilo del Rey Arturo con reinados galácticos y casas nobles en constante pugna por el asiento del poder imperial. No fue una historia popular desde su creación, el colosal tamaño del manuscrito y su complicada trama producían rechazo en los editores de la época, mas de veinte casas editoriales contacto Frank Herbert, todas lo rechazaron de plano. La única que acepto apostar por el desconocido escritor y publicar su manuscrito fue Chilton Books, la cual se dedicaba a publicar manuales técnicos de reparación de vehículos comerciales y que jamás había publicado una obra literaria antes. Actualmente la primera edición de Duna, en ingles, es una de los libros de ciencia-ficción más valiosos y coleccionables del mundo, copias de este volumen se han vendido en subasta hasta por diez mil dólares. Desde su publicación como novela, Duna ha sido adaptada a muchos formatos, como la televisión, el cine, novelas graficas y video juegos. Villenueve, es el tercer director que intenta adaptar la novela de Herbert al formato cine, el primero que lo intento fue el chileno Alejandro Jodorowski en el año 1975. Jodorowski pretendía hacer un espectáculo visual con su versión de Duna, escuchemos sus propias palabras:
“Yo quería hacer una película que diera a la gente que tomaba LSD las alucinaciones que la droga daba, sin la alucinación. Yo quería fabricar la droga en cine. Iba a cambiar la mentalidad del público. Mi ambición con Dune fue tremenda. Yo quise crear un profeta que cambiara las mentes de los jóvenes en todo el mundo, para mi Dune era la venida de un dios, un dios artístico y cinematográfico, para mi no era solo hacer una película, era algo mas profundo, quería hacer algo sagrado, libre, con nuevas perspectivas. Abrir las mentes”.
El cineasta chileno contrato un equipo de puros genios para lograrlo: a los ilustradores Chris Foss, Moebius y H.R. Giger, la banda sonora la haría Pink Floyd y Magma, Dan O´Bannon estaría a cargo de los efectos especiales y contaba con un presupuesto inicial de casi diez millones de dólares. Pero luego de un año de trabajar en la preproducción había conseguido gastar mas de dos millones de dólares del presupuesto sin haber filmado un solo segundo de película y su guión, que era mas grueso que una guía telefónica, se traduciría en una proyección de mas de catorce horas de duración. A pesar de contar en el elenco con estrellas del nivel de Salvador Dalí, Orson Wells, David Carradine y Mick Jagger el proyecto fue cancelado en 1976. El documental del 2013 La Duna de Jodorowski, narra maravillosamente la historia detrás de la producción de esta fallida obra maestra.
El segundo director en intentarlo fue David Lynch, quien tuvo mejor éxito que el primero y su film se estreno en salas de todo el mundo en 1984. Pero desde el intento fallido de Jodorowski, se sabía que Duna era un texto muy difícil de adaptar al cine. Lynch contaba con muy buena reputación en Hollywood por su film El Hombre Elefante de 1980 y era un director muy cotizado que había recibido varias ofertas para dirigir otras películas, incluyendo el Retorno del Jedi, pero Dino De Laurentis le hizo una oferta que no pudo rechazar y acepto a pesar de no haber leído nunca la novela y de que no tenia un interés especial por la ciencia-ficción. La producción de la versión de Lynch tuvo problemas desde el principio, en especial por lograr que toda la historia del primer libro entrara en un marco de tiempo digerible para las audiencias de cine de la época. Como ya sabía muy bien Jodorowski, esto resultaría ser imposible, la compleja e intrincada trama de Duna no se dejaba someter a la hora y media que De Laurentis exigía como duración del film. Para poder lograrlo, se hicieron muchos cortes de escenas durante postproducción y esto resulto en una versión final incomprensible y con enormes huecos narrativos. La película fue un fracaso absoluto de taquilla, la crítica la destruyo por su confuso hilo argumental y por las diferencias con el material original. Lynch aborreció su obra a tal grado que declino aparecer en los créditos de la misma y se juro a si mismo que jamás volvería a trabajar con grandes estudios. En los créditos de la película, su nombre fue remplazado por el de Allan Smithee, un seudónimo ficticio comúnmente usado por directores de Hollywood que no quieren que sus nombres se vean asociados con obras que desaprueban.
Con el pasar de los años fue ganando un culto de adeptos y defensores, en parte gracias a que en 1988 se transmitió en TV una versión mucho mas larga, de 186 minutos, con una introducción más completa y escenas previamente borradas. Hoy en día la Duna de David Lynch es una película de culto. Eso nos trae hasta el presente, siglo veintiuno, la pandemia mundial, crisis global. Y a Denis Villenueve. Este joven cineasta tiene una especial sensibilidad visual que encaja perfectamente con el espíritu de Duna, si no han visto su cinematografía se las recomiendo; Prisioners y Enemies, sus dos primeros éxitos globales, son cintas muy cerebrales y que llevan al espectador al mundo interior de sus personajes, mostrando la oscuridad que se esconde tras el velo de la normalidad. Sus dos siguientes obras Sicario y Arrival, son obras maestras en sus géneros; thriller y ciencia-ficción respectivamente, visualmente atrevidas y psicológicamente profundas, mostrando la evolución artística de Villenueve. Blade Runner 2049, su última producción antes de Duna causo mucha controversia. Se trata de la continuación de una de las obras maestras del cine de ciencia-ficción: Blade Runner, dirigida por Sir. Ridley Scott en 1982 y basada en una novela de Phillip K Dick. Llenar los zapatos de un gigante como Ridley Scott, director de Alien, no es tarea fácil y hasta podría considerarse una herejía. Pero el resultado final creado por Villenueve les cerró la boca a todos los críticos. Ayudado de la visión cinematográfica de Roger Deakins, (D.P. de Shawhank Redemtion, Fargo, The Big Lebowski, Jarhead, No Country for old man, etc.) creo un espectáculo visual salpicado de neon y suciedad que nos hizo volver al universo de Blade Runner tan fácil como si nunca nos hubiéramos ido. 2049 fue una secuela digna, una rareza real, un milagro que parecía imposible (en Hollywood difícilmente las segundas partes son buenas) y consagro a Villenueve como un director comprometido con su material y con su audiencia, como pocos en la actualidad. Soy un detractor y critico abierto de los remakes y las secuelas, creo firmemente en las ideas originales y su importancia, pero Villenueve me hizo cambiar de opinión, 2049 es una visión fresca y nueva de un universo conocido y amado por los fanáticos.
Dicho todo esto, creo que la expectativa que se ha creado por ver su versión de Duna no esta infundada. Sumémosle a esto un año de retraso en su estreno y tenemos una receta para la desesperación global. La nueva fecha de estreno para ver Duna de Denis Villenueve es el 03 de septiembre de 2021. Ese día, se proyectara dentro del Festival de Cine Internacional de Venecia. El resto de los mortales tendremos que esperar cuarenta y nueve días mas, hasta el 22 de octubre, para poder descubrir si Villenueve logro hacer una obra maestra de la cual los mismísimos Frank Herbert y Alejandro Jodorowski estarían orgullosos.
